Anno1900 – Steampunk Convention septembre 2023 à Fond-de-Gras, Luxembourg. Avec Frédérique Gorsky.

Note de la direction Anno1900 :Événement public
Lors de cet événement vous pouvez être photographie.e.s et / ou filmé.e.s. Si vous n'êtes pas d'accord, veuillez ne pas accéder au site.

Public event
During this event you can be photographed and / or filmed. If you do not agree, please do not access the site.

Öffentliche Veranstaltung
Während dieser Veranstaltung können Sie fotografiert und / oder gefilmt werden. Wenn Sie nicht einverstanden sind, bitte begehen Sie sich nicht auf die Veranstaltung.






































Steamshot Studio




















































Comtesse LyLyne












Flux capacitor ref Back to the Future


There is steam








Mercredi 13 sept 2023 à l'UGC Gobelins. Avec le réalisateur Michel Gondry. Excellent. Avec Frédérique Gorsky.







le 10 sept 2013 : Paris vaut bien une fête à Saint Sulpice












Jean-bernard Ruet et sa compagne








Josée von Temsch


Anne Alias et son ami.




De l'entraide quand ça veut pas démarrer












Ça sort en négatif.


Ce négatif est rephotographié


Avec un filtre jaune


Et cela devient un positif.

En voiture de course vintage


En bus vintage, comme dans ma jeunesse.



Visite de l'expo Titanic à la Porte Versailles avec Maïna Le Gall, Alexandra Jacquet, Jean-bernard Ruet, Elena Meunier, Valérie Dany, Raphaelle Raphy, Elena Meunier, Thanh-Loan Tran, Gjam Delorme, Thanh-Loan Tran, etc... le 20 août 2023.








Remarquer mon T-Shirt de mes années croisières.












Gjam Delorme


How about it? You're place or mine?



Alexandra Jacquet: "Ne t'inquiète pas Rose, on va le retrouver Jack"
Raphaelle Raphy, Alexandra Jacquet et Maïna Le Gall.

"
Maïna Le Gall

Alexandra Jacquet


Raphaelle Raphy, Alexandra Jacquet et Maïna Le Gall


Maïna Le Gall






Alexandra Jacquet et Maïna Le Gall



Maïna Le Gall



Merci à Jean-bernard Huet pour la photo d'origine.






Raphaelle Raphy, Alexandra Jacquet et Maïna Le Gall

Voir aussi dans blog 2018 : En août 2018, Frédérique et moi avons visité le Musée du Titanic à Belfast, Capitale de l'Irlande du Nord.
Le Musée a été inauguré en mars 2012 à l'occasion du centenaire du naufrage du Titanic sur l'ancien chantier Harland & Wolff où a été construit le navire lui-même. Il retrace l’histoire du Titanic de sa conception à Belfast au début des années 1900, sa construction, son lancement, son inauguration jusqu’à son naufrage suite à sa collision avec un iceberg en 1912 dans l'Océan Atlantique qui l'a rendu tristement célèbre dans le monde entier. Des répliques de parties du bateau ont été construites présentant quelques cabines de la 1ère classe à la dernière classe ainsi que quelques pièces et salons.

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2023-08-20 : Expo Titanic à la Porte Versailles avec Maïna Le Gall, Alexandra Jacquet, Jean-bernard Ruet, Elena Meunier, Valérie Dany, Raphaelle Raphy, Elena Meunier, Thanh-Loan Tran, Gjam Delorme, Thanh-Loan Tran, etc..
2023-09-10 : Paris vaut bien une fête à Saint Sulpice.
2023-09-13 : Film "Le livre des solutions" à l'UGC Gobelins. Avant première avec le réalisateur Michel Gondry.
2023-09-23 et 24 : Anno1900 – Steampunk Convention à Fond-de-Gras, Luxembourg. Avec Frédérique Gorsky.

2023-08-05 : Le 59 de la rue de Rivoli.


Frédérique Gorsky
























































Fumer tue.

Le 12 fev 2023 : Les tribulations d'Erwin Blumenfeld 1930-1950 au 71 rue du Temple à Paris.



Les Tribulations d'Erwin Blumenfeld, 1930-1950
Le musée d'art et d'histoire du Judaïsme présente « Les Tribulations d’Erwin Blumenfeld, 1930-1950 ». Cette exposition met en lumière, à travers près de 180 photographies dont des ensembles inédits, sa période la plus féconde. Ses expérimentations artistiques révélèrent son talent pour la photographie de mode qui l'amena à travailler pour les plus grands magazines américains. L'exposition offre également des éclairages sur sa vision de l’art et sur sa vie personnelle pendant l'Occupation.











Entre son installation à Paris en 1936, et les débuts de sa carrière américaine, après 1941, Erwin Blumenfeld (Berlin, 1897 — Rome, 1969) voit son destin, tant artistique que personnel, bouleversé. Sa plongée dans l’effervescence de la capitale et l’univers de la mode est brutalement interrompue par la défaite de 1940. Il connaît l’errance, l’internement comme « étranger indésirable » dans plusieurs camps français avant d’obtenir un visa pour les États-Unis. Embarqué sur le Mont Viso, il doit encore subir l’enfermement avec sa famille dans un camp français au Maroc. Blumenfeld traverse cette tourmente comme nombre d’artistes juifs, mais peut se réfugier in extremis aux États-Unis, où il renoue immédiatement avec l’industrie de la mode.



Sans titre, Marianne Tischier, dite Manina, Paris vers 1937. Solarisation en chambre noire.







La période des années 1930 aux années 1950 à laquelle l'exposition est consacrée est aussi celle de la révélation de son talent photographique, le moment d’une expérimentation artistique originale et foisonnante, poursuivie avec la même ferveur de Paris à New York. Après des débuts dadaïstes, marqués par des photomontages politiques prémonitoires sur la Seconde Guerre mondiale, Blumenfeld construit une œuvre loin des troubles du temps. Elle s’inspire et prolonge des techniques adoptées notamment par les tenants de la « Nouvelle vision », tant lors de la prise de vue qu’en laboratoire : solarisation, réticulation, surimpression, miroirs et jeux optiques, jeux d’ombres et de lumières forment pour lui une grammaire au service d’une image où la beauté et le nu féminin occupent une place centrale. Il mettra en particulier son génie au service de la photographie de mode, et sera précurseur dès les années 1940 dans le domaine de la couleur, propice à de nouvelles expérimentations.



Lisette Blumenfeld, c'est sa sœur !





















Je reconnais bien là, les échancrures en haut à droite qui permettent de savoir où est la surface sensible du plan film pour pouvoir l'insérer dans le bon sens dans le châssis porte-film qui va ensuite à l'arrière de la chambre photographique



C'était bien avant Photoshop : réaliser ce genre de montage en chambre noire demandait beaucoup de temps, de savoir faire et de persévérance.








De gauche à droite et de haut en bas :
Harper's Bazaar, décembre 1941. Harper's Bazaar, novembre 1942. Harper's Bazaar, juillet 1943. Harper's Bazaar, février 1942. Collier's, 22 janvier 1944. Vogue, 2er février 1945. Vogue 15 mars 1945. Vogue, juillet 1945. Vogue 1er novembre 1944. Vogue 1er novembre 1945. Vogue 15 janvier 1945. Vogue 15 octobre 1949. Vogue 15 janvier 1950. Vogue mai 1945.
Kaleidoscope of American Fashion, november 1948.
Archives Erwin Blumenfeld.



Oui, j'ai acheté cette couverture.





Son studio photo.




















Frédérique a trouvé une faute d'orthographe : c'est en fait : la rue Delambre. C'est à deux pas de là où nous habitons.

le 12 nov 2022 : Urbain de Paname : une immense exposition mêlant art contemporain et street-art à la patinoire de Saint-Ouen












La charmante organisatrice. Nous avons parlé de Jeff Aérosol, JR et Banksy.

Ceci ne fait pas partie de l'expo Christie's. C'est pour montrer que cette photo a été shootée en 24x36cm. S'il n'y a pas de grain sur un grand tirage papier, c'est que c'est une impression numérique. Je connaissais personnellement Peter Lindberg.

Advice to photographers: do not work for AFP (Agence France Presse): the names of the photographers do not appear, neither at the bottom of the photos, nor on the credits. When I think of photographers who have worked hard, sometimes risked their lives for AFP!

L'Agence France-Presse (AFP) est une agence de presse généraliste française chargée de collecter, vérifier, recouper et diffuser l'information, sous une forme neutre, factuelle et utilisable directement par tous types de médias (radio, télévision, presse écrite, sites internet) ainsi qu'auprès des grandes entreprises et administrations. Réalisant la moitié de son chiffre d'affaires commercial hors de France, l'AFP est implantée dans environ 151 pays avec 201 bureaux. Fondée en août 1944 pour prendre la suite d'Havas, elle assure une couverture complète de l'actualité mondiale, dans tous les domaines et sous toutes ses formes : photographie, infographie, vidéo et texte dans six langues.
L'AFP est, avec l'Associated Press et Reuters, une des trois agences de presse qui se partagent un quasi-monopole de l'information dans le monde. Elles ont en commun, à la différence de son prédécesseur Havas, de ne pas avoir d'actionnaire mais un conseil d'administration composé majoritairement d'éditeurs de presse. Pour garantir son indépendance, la loi exige qu'elle équilibre son budget, après amortissement comptable des investissements, l'AFP ayant de plus accès aux marchés financiers pour emprunter.

Au Musée de la libération de Paris le 23 juillet 2022 avec Frédérique Gorsky, dans les sous-sols et avec en plus des lunettes 3D : Il y a plus de soixante-quinze ans, à la tête de la 2e division blindée, le général Leclerc, franchissait la porte d’Orléans de Paris et remontait l’avenue qui porte aujourd’hui son nom jusqu’à la place Denfert-Rochereau. Après avoir passé plus de 20 ans près de la gare Montparnasse, c’est sur cette même place, chargée d’histoire, que le musée de la Libération de Paris - musée du général Leclerc - musée Jean Moulin a ouvert ses portes. Un musée repensé grâce à des outils de médiation innovants et un site qui appartiennent doublement à l’histoire puisque c’est dans ces pavillons datant de 1787 et jusque-là fermés au public, que le colonel Rol-Tanguy, chef des Forces françaises de l’intérieur (FFI) avait installé son PC, dans le sous-sol du bâtiment. Un précieux témoin des journées qui ont précédé la Libération de Paris, le 25 août 1944.

















































































































Oui, j'ai utilisé ça aussi, dans ma jeunesse 






J'ai beaucoup utilisé ces boites à diapositives dans ma jeunesse.








Développement, fixateur.

Bon, je lui doit tout.




La célèbre vue et la célèbre chambre photo et la célèbre Frédérique Gorsky.


La première photographie au monde !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Le "Point de vue de la fenêtre du Gras" est, par le fait, la plus ancienne photographie au monde. Elle aurait été prise entre le 4 juin et le 18 juillet 1827, et, selon le chercheur Jean-Louis Marignier (CNRS), elle aurait nécessité deux jours d'exposition.


Elle a été prise de cette maison.


Avec cette chambre photo.


Et développée dans ce "labo"



La tombe de Nicephore Niepce dans le minuscule cimetière de St-Loup-de-Varennes
Comme c'était plutot triste, j'ai rajouté sa première photo et sa chambre photographique.

Le 02 avril 2022 : Aqua Mater, expo Sebastiao Salgado (mon grand héros photographe) dans un pavillon en bambou à La Défense. Mon sentiment perso : Salgado (ou son agent, ou son directeur de marketing ou sa secrétaire) a trié dans ses archives les photos où il avait de l'eau, peu import le sujet (même de très vieilles photos plein de grain), les a mises dans un chalet en bambou (imaginé par l’architecte colombien Simon Velez, ce pavillon démontable avait déjà été installé à Arles en 2018, dans le cadre des Rencontres de la Photographie), sans ordre particulier, (les bambous de la déco intérieure sont en plastique, vive l'écologie !) et fait payer 16 € l'entrée). Le tout en musique (du compositeur François Bernard Mâche) : bruit d'eau qui coule (mais de toilettes). La pub dit : "brume tropicale et milliers de bougies plongent les visiteurs dans une atmosphère de sérénité": c'est faux ! Aucune bougie, aucune brume. On peut quand même y voir des très belles photos de Salgado. A la gift shop, ils vendent les cartes postales de l'expo Genesis, vieille de nombreuses années, nous avons acheté la collection. PS : la photo utilisée pour la pub de cette expo n'est même pas affichée dans l'expo (pub mensongère ?)


























Des bambous en plastique






We Paint: L'exposition gratuite dans la Cour Vitrée des Beaux-Arts de Paris le 26 mars 2022. 33 artistes sélectionnés ces 10 dernières années par le Prix François Prat dans une belle scénographie imaginée par Christiano Raimondi, en dialogue avec le lieu.

WePaint: Free exhibition in the Cour Vitrée des Beaux-Arts in Paris on March 26, 2022. 33 artists selected over the past 10 years by the François Prat Prize in a beautiful scenography imagined by Christiano Raimondi, in dialogue with the place.























































Le 25 mars 2022 : Street-art et live painting à Spot 13 à Paris











































2022-03 -26 Salon du vintage au Carreau du Temple










































Une partie du tableau de bord du Concorde




















Brigitte Bardot en couv de LUI dans la future chaise d'Emmanuelle de 1974







Le 19 mars 2022 : l’Observatoire de l’Espace du CNES vous invite à découvrir une exposition d’art contemporain qui renverse notre rapport à l’Espace.
L’Observatoire de l’Espace du CNES ouvrira exceptionnellement ses portes au public pour présenter Avec l’Espace, une exposition consacrée aux relations entre arts visuels et Espace. Cette proposition d'art contemporain, qui ne se place ni dans la lignée de la figuration, ni dans celle du conceptuel, met en exergue de nouvelles formes de récits artistiques alors que l’aventure spatiale est plus que jamais sur le devant de la scène avec le « New Space ».















Super visite de l'ISS en suivant les vagbondages d'un montage papier. Merci Thomas

Pesquet.


























Le mignonisme le 19 mars 202 au Bon Marché.
Carte rose à Philippe Katerine, le plus exaltant des artistes français, qui investit le magasin avec ses œuvres polymorphes célébrant « Le mignonisme » : bonshommes roses monumentaux sous les verrières et en vitrines, tableaux et créations plastiques uniques au deuxième étage.











































Salon Retro Mobile à La Porte de Versailles le 17 mars 2022




Très classe












Retro mobile veut dire aussi avions












La Dolorean de "Back to the Future"




Je n'ai pas compris ce que Gainsbourg avait à voir ici.








Bon, c'est un judebox "Beatles"
Pour les jeunes : "Un juke-box ou jukebox est un distributeur automatique public à monnayeur de chansons tubes enregistrées traditionnellement sur des disques." Wikipedia




Le charme des lanternes anciennes




Ou des voitures qui ont bien roulé


La Morgan de Pat Denton




Je me vois bien remonter les Champs Elysées avec ça ...J'ai bien dit "remonter" et non pas "descendre" car il y a un deux moteurs, genre Solex.

Le plus adapté pour conduire dans Paris.




La moto bleue de Johny Halliday

Des références ciné




On peut même acheter un canapé voiture.


La Kardashian du passé, en plus classe.



Le 8 mars 2022 : Expo Marcel Pagnol au Château de la Buzine

Le Château de la Buzine est bien plus qu’un bâtiment ou un monument.
Le Château s’inscrit dans plusieurs cultures : celle des bastides marseillaises, celle de Marseille joyeuse, triomphante, créative, populaire, rayonnante et instruite incarnée par Marcel Pagnol et celle des années  2000 qui cherche à ré-écrire des liens entre l’homme, la nature, l’architecture, le cinéma, le tourisme…
L’histoire du Château de la Buzine est agitée et complexe puisqu’il appartient successivement à des propriétaires nombreux et variés.
C’est Marcel Pagnol, qui lui donne sa dimension exceptionnelle par ses merveilleux récits intitulés  Souvenirs d’enfance.
En devenant propriétaire des lieux, Marcel Pagnol ajoute une nouvelle dimension au Château de son enfance.
Pagnol veut lui donner une valeur symbolique à l’échelle  mondiale en le transformant en cité du cinéma.
Les années 2000 ouvrent le Château sur de nouveaux horizons.
Le travail de restauration est conduit par la cabinet d’architecture Stern International qui réussit à faire le lien entre le passé de bastide privée et le présent de cinémathèque publique.
Le château vit également en phase avec la nature qui l’entoure, le Parc des 7 Collines, un équilibre fragile et nécessaire.












Manon des sources


La table montage films 35 mm de Marcel Pagnol










VOYAGE DANS LE TEMPS : J'ai retrouvé une copie conforme de la salle de classe de ma jeunesse au château de la Buzine près de Marseille en 2022. Merci à Tom pour la photo.

TIME TRAVEL: I found an exact copy of the classroom of my youth at the Château de la Buzine near Marseille in 2022. Thank you Tom for the photo.




L'encrier de ma jeunesse !

















Visite du musée Curie le 19 février 2022
Situé dans le dernier laboratoire dirigé par Marie Curie, le Musée Curie allie nouvelles technologies, documents d'archive et objets anciens dans un espace de 120 m2, rénové en 2012. Vous y découvrirez le bureau et le laboratoire de Marie Curie, l'histoire de la radioactivité et de la radiothérapie, ainsi que les différentes étapes des découvertes scientifiques des Curie et des Joliot-Curie, la famille aux cinq prix Nobel.
L'Institut du Radium, dont la construction débuta en 1911, comprenait un laboratoire de physique et de chimie dirigé par Marie Curie et un laboratoire de médecine et de biologie confié au docteur Claudius Regaud. Au rez-de-chaussée du pavillon Curie de l'ancien Institut du Radium, le musée Curie présente des objets, des photographies et des documents sur l'histoire de la radioactivité et de ses applications médicales, ainsi que sur la vie et l'oeuvre de "la famille aux cinq prix Nobel". De nombreux instruments scientifiques utilisés jusqu'à la fin des années 1930 sont exposés, en particulier ceux qui ont permis de produire artificiellement, pour la première fois au monde, des radioéléments. C'est dans ce lieu en effet qu'en janvier 1934, Frédéric et Irène Joliot-Curie découvrirent la radioactivité artificielle. On peut voir l'ancien bureau de Marie Curie, de même que son laboratoire de chimie (décontaminé en 1981). Le musée Curie, rénové en 2012, propose un parcours muséographique aménagé selon 4 thématiques : la famille aux cinq prix Nobel ; le radium ; le laboratoire Curie ; la Fondation Curie pour soigner les cancers.
Le radium est un élément de la famille des alcalino-terreux. Il en existe 25 isotopes mais seuls quatre sont présents dans la nature. Parmi eux, le plus abondant est le 226Ra qui se caractérise par une période de 1600 ans environ.














J'habite à côté.




































































Déjà de la pub mensongère en 1934






Nous avions déjà visité la tombe de Marie Curie au Panthéon il y a quelques années.




Le 12 février 2022 : La friche du PréàVie, -196°
Proposer de l’art dans un lieu qui produisait… du lard. Quand on sait que l’exposition en question a lieu au PréàVIE, ancienne usine de salaison du Pré-Saint-Gervais, cela n’a plus rien de farfelu. Chapeauté par Soukmachines, le site accueille « -196° », qui réunit 17 artistes sous l’égide de la commissaire Marion Zilio. « -196°, c’est la température d’ébullition de l’azote liquide. C’est aussi la température à laquelle sont conservés les corps de ces milliardaires qui se font cryogéniser. » C’est d’autant plus parlant quand on sait que les œuvres sont présentées dans deux des anciens immenses frigos de l’usine. « Le frigo, c’est, a priori, le processus de vie qui s’arrête"































Le 9 février 2022 : Une expérience unique, insolite et sensationnelle du décollage d’une fusée Ariane, c’est maintenant possible à La Samaritaine. Le grand magasin du groupe LVMH propose à ses visiteurs une simulation gratuite exceptionnelle : vivre pendant trois minutes le décollage de la fusée Ariane. 5.3,2,1 paré au décollage… Dans le lancement d'une fusée, le plus impressionnant, c'est le son. Lorsqu'une fusée débute son voyage, le son devient de plus en plus intense puis cesse d’un seul coup lorsque qu'elle entre dans l’atmosphère. Le décollage d'une fusée constitue en effet le son le plus puissant émis par l'homme. C'est ce qui a conduit la prestigieuse marque d'enceintes Devialet, disponible à La Samaritaine, à imaginer un projet fou en collaboration avec les développeurs de la fusée Ariane : l’expérience Sound journey to space.















Le 28 janvier 2022 : exposotion Su par Mehmet Ali Uysal au Bon Marché
Rendez-vous artistique incontournable à Paris, Le Bon Marché Rive Gauche met chaque année en exergue la vision créative d’un artiste contemporain le temps d’une carte blanche. Succédant à Prune Nourry (2021), Oki Sato du studio nendo (2020), Joana Vasconcelos (2019), Leandro Erlich (2018), Chiharu Shiota (2017) ou encore Ai Weiwei (2016), Le Bon Marché Rive Gauche a le plaisir d’inviter l’artiste turc Mehmet Ali Uysal pour sa nouvelle exposition intitulée Su, qui signifie « eau » dans sa langue natale. L’artiste a pensé l’exposition autour de trois installations qui immergent le grand magasin sous le niveau de la mer du 8 janvier au 20 février.
Su, les verrières : Cette installation se matérialise par trois icebergs monumentaux installés de part et d’autre de l’emblématique escalator Andrée Putman. Oeuvres colossales, ces cathédrales de glace suspendues culminent de la verrière, représentant le niveau de la mer, jusqu'au dessus des têtes des visiteurs. Le cœur du magasin se trouve ainsi plongé dans les profondeurs de l’océan confrontant le visiteur à la puissance de la nature. Les icebergs capturent d’importantes quantité de CO2 via l’écosystème qui les entoure et se nourrit de ces montagnes d’eau.
Su, les vitrines : Mehmet Ali Uysal a souhaité métaphoriquement inonder le grand magasin ainsi que les vitrines en les immergeant entièrement sous l’eau. Cette installation fait écho à l’imminence de la fonte des glaces. Elle préfigure les risques dus à la montée des eaux, liés au réchauffement de la planète.
Su, l'installation 2e étage : Face aux défis environnementaux, Mehmet Ali Uysal entrevoit une issue salvatrice à bord d’un bateau monumental. Inspiré par l'origami, une technique de pliage de papiers, ce majestueux navire invite à monter à bord pour une halte contemplative et méditative.
A la manière d’une Arche de Noé, cette installation immersive ouverte au public, symbolise l’espoir du monde de demain, sauvé de la montée des eaux.
À travers cette installation, l'artiste matérialise ses inquiétudes face aux conséquences du réchauffement climatique et de l’acidification des océans.



















Expo Steve McCurry au Musée Maillol le 29 jan 2022
L’exposition Le Monde de Steve McCurry présente plus de 150 photos imprimées en grand format pour la première fois à Paris. Elle est la rétrospective la plus complète dédiée au photographe américain. On peut y admirer ses photos les plus célèbres, réalisées tout au long de ses 40 ans de carrière, mais également ses clichés les plus récents et maintes photos inédites.

Chacune des images de Steve McCurry, pour la plupart connues dans le monde entier, renferme un univers complexe d’expériences et d’émotions.

L’exposition, conçue par Biba Giacchetti, propose un long voyage dans le monde de Steve McCurry, de l’Afghanistan à l’Inde, de l’Asie du Sud-Est à l’Afrique, de Cuba aux États-Unis, du Brésil à l’Italie, à travers son vaste et fascinant répertoire d’images, où l’Humain est toujours le protagoniste principal, même s’il n’est qu’évoqué.

"Je m'efforce d'obtenir des images individuelles qui resteront gravées dans la mémoire des gens."
"Ma vie est façonnée par le besoin urgent d'errer et d'observer,
et mon appareil photo est mon passeport."
« La photographie est un médium indéniablement puissant.
Libéré des contraintes de la langue, et exploitant les qualités uniques d'un seul instant figé dans le temps."
« Dans notre société contemporaine, sur-inondée d'images, il est facile de négliger la puissance d'une seule photo qui peut
changer notre regard sur le monde »
« Une photographie est quelque chose sur laquelle on peut toujours revenir.
Vous pouvez l'accrocher à votre mur et la regarder encore et encore."
"Une image peut exprimer un humanisme universel, ou simplement révéler une vérité délicate et poignante en exposant une tranche de vie qui pourrait autrement passer inaperçue."
"C'est formidable de travailler pour National Geographic : leur puissante logistique rend tout facile, leur budget quasi illimité et leur notoriété ouvrent toutes les portes »
- Steve McCurry

“I strive for individual pictures that will burn in people's memories.”
“My life is shaped by the urgent need to wander and observe,
and my camera is my passport.” “The photograph is an undeniably powerful medium.
Free from the constraints of language,
and harnessing the unique qualities
of a single moment frozen in time.” “In our contemporary society, one so over-inundated with imagery,
it is easy to overlook the power of a single frame
to change the way we look at the world”
“A still photograph is something which you can always go back to.
You can put it on your wall and look at it again and again.”“A picture can express a universal humanism, or simply reveal
a delicate and poignant truth by exposing a slice of lifethat might otherwise pass unnoticed.”
“It is great to work for National Geographic:Their powerful logistic makes everything easy, their quasi limitless budget and fame opens all doors”











Steve McCurry : Photography is a powerful means of expression. Freed from language contraints, it exploits the unique qualities of a moment frozen in time



















La célèbre afgane aux yeux verts



La même afgane en 2002























Le 28 jan 2022
Palais Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris Vogue Paris 1920-2020
Le Palais Galliera présente une exposition d’envergure inédite qui célèbre les 100 ans du magazine Vogue Paris.
Fondé par Condé Nast en 1920, Vogue Paris est aujourd’hui le plus ancien des magazines de mode français toujours publié, et le seul titre du groupe à porter le nom d’une ville et non celui d’un pays. Capitale de la mode, Paris y est figurée comme le cœur de la vie culturelle et artistique et la Parisienne y incarne la femme Vogue.
Miroir de son époque, défenseur de la création, Vogue Paris est un acteur majeur de la mode, questionnant les notions de goût, de beauté et d’élégance. L’exposition témoigne de la capacité de création, d’adaptation et d’anticipation qui, pendant 100 ans, a caractérisé le magazine. Vogue Paris 1920-2020 retrace l’histoire du magazine à travers les rédactrices et rédacteurs en chef qui l’ont façonné par leurs choix éditoriaux et artistiques, de Michel de Brunhoff à Emmanuelle Alt, en passant par Edmonde Charles-Roux, Francine Crescent et Carine Roitfeld. Leur personnalité, la durée de leur collaboration, leur engagement, font la spécificité et la cohérence de Vogue Paris.
L’exposition met en lumière le talent des grands illustrateurs et particulièrement des photographes que Vogue Paris a promus : Hoyningen-Huene, Horst, Bourdin, Klein, Newton, Lindbergh, Testino, Inez & Vinoodh... y ont réalisé leurs plus belles pages.
Au sein du parcours chronologique, plusieurs focus rendent hommage aux complices fidèles du magazine. L’exposition évoque les collaborations exceptionnelles avec de grands couturiers, Yves Saint-Laurent d’une part et Karl Lagerfeld d’autre part, que Vogue Paris a soutenus tout au long de leur carrière. La femme Vogue est ici incarnée par Catherine Deneuve et Kate Moss, qui ont posé pour le plus grand nombre de couvertures.
Vogue Paris 1920-2020 rassemble près de 400 œuvres issues principalement des archives du magazine – photographies, illustrations, magazines, documents, films – ainsi qu’une quinzaine de modèles de haute couture et de prêt-à-porter.

Le 28 jan 2022
Le musée Galliera dévoile ses collections à travers une exposition qui retrace l'Histoire à travers la mode. Baptisée "Une histoire de la mode".
Une histoire de la mode au Palais Galliera retrace l’histoire de la mode et l’histoire des collections du Palais Galliera, des origines de la Société de l’Histoire du Costume aux importantes acquisitions du musée réalisées ces dernières années.
À travers les plus belles pièces provenant des différents départements du musée, du XVIIe au XXIe siècles, la photographie, les arts graphiques et les accessoires, cet ouvrage raconte l’histoire du Palais Galliera et de ses collections sous un angle inédit. Destiné à devenir une référence sur les collections du musée, l’ouvrage offre différents niveaux de lecture afin de s’adresser au grand public du grand public comme aux spécialistes et connaisseurs de mode.
La campagne photographique a été confiée à Stanislas Wolff, dont le sens de la composition et des lumières met particulièrement en valeur les chefs-d’œuvres du Palais Galliera.

Le 22 janvier 2022 : L'exposition photographie et médecine au Val-de-Grâce.


Une sélection de tirages photographiques de la Première Guerre mondiale, sont pour la première fois exposés au musée du Service de santé des armées (SSA) au Val-de-Grâce.
D’un grand intérêt patrimonial et documentaire, ces soixante-neuf photographies témoignent de la médecine militaire au front pendant la Grande Guerre ainsi que de la vie quotidienne des hôpitaux et de leur fonctionnement.
Elles sont le fruit d’une importante commande du SSA pendant la Grande Guerre à la section photographique de l’armée, l’agence photographique officielle de l’époque, pour garder la mémoire des activités médicales militaires et des progrès importants de la médecine française de ce début du XXe siècle.

L'annonce officielle : En novembre 2021, Paris Photo rassemble au Grand Palais Éphémère et en ligne plus de 175 galeries et éditeurs prestigieux du monde entier, offrant ainsi aux collectionneurs et amateurs d’art un "panorama complet de la photographie". L’opportunité unique de rencontrer les plus grands artistes, d’acquérir des œuvres historiques et contemporaines ainsi que des éditions rares et limitées et d’approfondir leurs connaissances du médium avec des conférences et parcours commentés.

Christian Fournier : "Un panorama complet de la photographie" = complètement faux ! Paris photo est une exposition de photos genre "art contemporain", c’est-à-dire pour les gens qui ont beaucoup plus d’argent que de goût ou de connaissances en photographie.
Des photographies nulles mais montées sur des beaux cadres, avec des prix à partir de 10 000 € par photo. Nous vivons dans un monde gouverné par l’argent et le superficiel. Billet plein tarif 30€ /personne, catalogue 30 €. Si les acheteurs de ces "œuvres d'art" les voyaient dans un vide grenier, à 2 euros pièce, ils ne les achèteraient pas.
Pour rehausser le niveau artistique, j'ai fait des cadrages créatifs. Certaines photos sont en fait très belles














Beaucoup de visiteurs.
























Christian Fournier : Étude des déformations spatiales par des transformations continues sans arrachages ni recollement des structures !!!!!!!!!!

Cette année, on peut admirer le travail de Tony Cragg, Alain Passard, Cyril Lancelin, Luka Fineisen, Johan Creten, Jean-Fançois Fourtou, Daniel Arsham, Jean-Bernard Métais, Lilian Bourgeat, Nils-Udo, Noël Dolla et bien d'autres.

Colors Festival Paris on June 30, 2021. 600 m2 of ephemeral street art in an abandoned building in Paris.
In the 11th arrondissement of the capital, Combo, Ardif, Levalet, Ana Conda, Codex Urbanus, Jo di Bona and many other famous street artists have literally transformed a sleepy place into a colorful urban art spot! 600 m2 of rainbow from floor to ceiling.
The addition of the Pulp Fiction pistol is by Christian Fournier.

La BnF dévoile au public français Henri Cartier-Bresson. Le Grand Jeu, un projet inédit autour de la Master Collection du photographe. L’exposition est le fruit d’une collaboration exceptionnelle entre la Bibliothèque nationale de France et Pinault Collection, avec le concours de la Fondation Henri Cartier-Bresson. 

Ensemble créé en 1973 par l’artiste lui-même à la demande de ses amis et collectionneurs Dominique et John de Ménil, la Master Collection réunit « les 385 meilleures photographies de Cartier-Bresson dans les tirages les meilleurs possibles ». Tirée en six exemplaires répartis à travers le monde, elle offre un panorama exceptionnel de l’œuvre universelle et intime de « l’œil du siècle » et revêt une importance tant historique qu’artistique.
L’exposition Henri Cartier-Bresson. Le Grand Jeu soumet la Master Collection aux regards de cinq commissaires invités, qui ont en commun d’avoir un lien fort à la photographie : François Pinault, collectionneur, la photographe Annie Leibovitz, l’écrivain Javier Cercas, le réalisateur Wim Wenders et Sylvie Aubenas, conservatrice du patrimoine à la BnF. Pas de monographie, ni de thématique, d’aire géographique ou de chronologie dans cet accrochage, mais la confrontation de cinq points de vue sur le travail de « l’œil du siècle », révélée au long d’une déambulation architecturale unique.

Le 26 mars 2021 : Début de l'exposition géante "Le Chat déambule" de Philippe Geluck :
20 sculptures le long des Champs-Élysées à Paris. En présence du dessinateur et sa fille.

Le dimanche 18 juillet 2021, je photographie l'exposition "Marc Riboud - Histoires possibles" au Musée Guimet.
Marc Eugène Riboud naît le 24 juin 1923 près de Lyon. Il est le cinquième enfant d'une fratrie de sept. Il est élevé dans une famille bourgeoise lyonnaise (son père était diplômé de Sciences Po).
Il commence la photographie avec l'appareil photographique Vest Pocket Kodak que son père utilisait en 1914-1918 dans les tranchées.
En 1937, à 14 ans, il prend ses premières photos à l'exposition internationale « Arts et techniques dans la vie moderne » à Paris. Il photographie aussi les châteaux de la Loire.
Traumatisé par le souvenir de la Première Guerre mondiale qui avait durement touché sa famille, son père se suicide quelques semaines après l’entrée en guerre en novembre 1939.
Marc Riboud passe les trois premières années de l'Occupation à Lyon, et étudie au lycée Ampère. En 1943, il prend le maquis avec le fiancé de sa sœur Françoise qui sera abattu par les nazis. Marc échappe de peu à l’arrestation par les Allemands dans le maquis du Vercors à l’été 1944.
Il entreprend alors des études à l’École centrale de Lyon pour devenir ingénieur. Il continue à faire de la photographie plus intensément et envisage d’en faire son métier.
En 1952, alors ingénieur à Villeurbanne, il « oublie » de rentrer d’un congé pris pour photographier Maria Casarès et Gérard Philippe aux festivals de danse de Lyon et d’Avignon, et s’installe à Paris où, grâce à son frère Jean, il rencontre Henri Cartier-Bresson puis Robert Capa, deux des créateurs de Magnum Photos.
En 1953, il photographie Le Peintre de la Tour Eiffel, où éclate déjà son talent et son goût de la composition de l’image. Cette photographie sera sa première publication dans Life et son ticket d’entrée à Magnum Photos.
Après un premier reportage en Yougoslavie, sur les conseils de Robert Capa, il part un an en Grande-Bretagne et photographie Londres et Leeds, qui se relèvent lentement de la guerre.
En 1955, Marc Riboud prend la route à Istanbul (avec la Land Rover de George Rodger) et traverse l'Iran, l'Afghanistan et le Pakistan pour atteindre l'Inde. Il y séjourne une année avant d’obtenir son visa pour la Chine, où il fait en 1957 son premier long séjour.
En 1958, il termine son voyage en Extrême-Orient par un séjour au Japon qui sera avec Women of Japan le sujet de son premier livre (avec un texte de Christine Arnothy). Il reprend à nouveau la route à partir de l’Alaska en hiver 1958 jusqu’à Acapulco.
De 1960 à 1962, Marc Riboud photographie les indépendances africaines, fait plusieurs séjours en Algérie et photographie la liesse de l’indépendance en juillet 1962.
En 1965, il retourne en Chine et photographie les prémices de la révolution culturelle ; il publie Les Trois Bannières de la Chine aux éditions Robert Laffont.
En 1967, à Washington lors d'une manifestation contre la guerre au Viêt Nam, il photographie une militante qui tend une fleur aux soldats. Cette photographie, La Fille à la fleur, deviendra une icône de la paix. En 1968, il photographie les manifestations étudiantes de mai à Paris et voyage au Nord et au Sud Viêt Nam. Il retourne au Viêt Nam en 1969, en 1972 et aussi en 1976 ; il photographiera la rééducation forcée des cadres par le pouvoir communiste.
Au cours des années 1970, il retrouve la Chine où il retournera régulièrement pour suivre son évolution et ses transformations jusqu’à son dernier séjour à Shanghai en 2010. En 1973, il couvre le procès du Watergate à Washington. Il se rend plusieurs fois à Prague pour soutenir les signataires de la Charte 77 et surtout son amie Anna Farova, historienne de la photographie. En 1979, il est à Téhéran lors de la prise d'otages de l'ambassade des États-Unis et pour photographier les foules en délire fêtant le retour de l'ayatollah Khomeiny.
En 1980, il se rend en Pologne pour un long reportage sur les débuts de Solidarnosc. En 1987, il photographie à Lyon le procès de Klaus Barbie. À partir de 1986, sur les conseils de son ami le peintre Zao Wou-Ki, il découvre Huang Shan, et est fasciné par la beauté de ces montagnes qui ont inspiré les peintres chinois. Il fait aussi plusieurs séjours à Angkor, amoureux de ces temples envahis par les racines et les arbres séculaires.
Dans les années 1990, il accompagne ses expositions à travers le monde et s’attache à publier des livres. En 1998, après l’apartheid, il va en Afrique du Sud, à Johannesburg, à Soweto et dans des villages éloignés de la capitale.
En 2008, Marc Riboud se rend à New York pour photographier la victoire de Barack Obama. En 2009, il publie des photos du Tibet dans Les Tibétains avec les textes d'André Velter qu'il a rencontré pour ce livre, comme il le relate lors de leur entretien dans l'émission Sagesses bouddhistes en novembre de la même année.
En 2010, Marc Riboud effectue un ultime voyage à Shanghai pour inaugurer une exposition. Sa santé fragile le contraint ensuite à rester à Paris, où il meurt le 30 août 2016 à 93 ans des suites d’une longue maladie.

Son épouse, Catherine Riboud Chaine a effectué en août 2016 la donation de la totalité du fond de Marc Riboud, soit cinquante mille négatifs, diapositives et épreuves sur papier, au Musée national des Arts asiatiques - Guimet, qui organise en 2021 la première grande exposition monographique consacrée au photographe : « Marc Riboud - Histoires possibles ».




























J'ai pris presque la même photo en 2005 !

2012-08-12 La cérémonie de clôture des Jeux Olympiques de Londres.

le 24 avril 2009 : Fajer Alrajaan's graduation ceremony at American University in Paris at théatre du Chatelet with Reza

Fajer Alrajaan et Reza


Reza Deghati

'The eyes are the windows of the soul' "I have always considered my camera to be a companion of my thoughts, an extension of my gaze, of my visual intention, my creativity, my solitude, my rebellions, my wonder, my sorrows, and my greatest joys. An extension of myself, if you will. This magical object is a tool that has the power to freeze a moment for eternity. For the last forty years, I have tried to cultivate an attitude that attempts to make my camera a confident of the people I photograph, who themselves are ready to entrust it with a share of their soul as seen through their eyes. It does not matter whether they are kings and queens, or peasants and beggars. Throughout the years, I feel the trust they grant me has increased. I am no longer merely taking a picture – these people encountered in moments of struggle or glory are offering me one. In April, I shared their gazes upon the world through exhibitions, and have pursued editorial projects and workshops on the language of images which has enabled me to reveal to the world the destinies of all those whose paths I have crossed." REZA.



Reza's most famous photo.



Fajer Alrajaan

10-13 novembre 2017 : Sebastiao Salgado au Salon de la Photo à Paris.







Conférence de Sebastião Salgado.



Depuis 1973, il a été mon héros photographe.





Sebastião Ribeiro Salgado est un photographe brésilien humaniste travaillant principalement en argentique noir et blanc.
En 1973, commence à s’intéresser à la photographie, en autodidacte. Il intègre successivement les agences photographiques Sygma (1974-1975), Gamma (1975-1979) et Magnum (1979-1994).
En 1994, il crée à Paris l'agence de presse photos Amazonas Images avec sa femme Lélia Wanick Salgado.
Salgado choisit lui-même ses projets aux quatre coins du Brésil : il travaille toujours en noir et blanc et observe la vie de ceux qui vivent et qui travaillent dans des conditions difficiles : migrants, mineurs, victimes de la famine… Un de ses reportages les plus renommés, intitulé La Mine d'or de Serra Pelada, porte sur le quotidien dans une mine d’or au Brésil, reportage dans lequel il parvient à décrire les conditions de travail auxquelles les mineurs sont soumis.
Il est nommé représentant spécial de l’UNICEF en 2001.
Dans l'introduction d'Exodes, il écrit : « Plus que jamais, je sens que la race humaine est une. Au-delà des différences de couleur, de langue, de culture et de possibilités, les sentiments et les réactions de chacun sont identiques. Les gens fuient les guerres pour échapper à la mort ; ils émigrent pour améliorer leur sort ; ils se forgent de nouvelles existences dans des pays étrangers : ils s'adaptent aux pires situations… ».
Cependant, depuis le début des années 2000, des journaux (dont le New York Times) et l'écrivain Susan Sontag critiquent les photographies de Salgado. Le photographe est accusé d'utiliser de manière cynique et commerciale la misère humaine, de rendre belles les situations dramatiques qu'il saisit au risque de leur faire perdre leur authenticité. Sontag s'interroge sur « l'inauthenticité du beau » dans l'œuvre de Salgado.
Dans le domaine familial de Bulcão qu'il possède près d'Aimorès au Brésil, avec sa femme Lélia Deluiz Wanick Salgado, il a rendu à la nature et reboisé près de 700 ha de terres épuisées par des années d'exploitation. Ils ont pour cela créé en avril 1998 l'ONG « Instituto Terra », qui a trouvé des financements pour élever et planter près de 4 millions d'arbres. L'institut propose également des programmes de sensibilisation et d'éducation à l'environnement.
En 2014, Wim Wenders et le fils du photographe, Juliano Ribeiro Salgado ont réalisé un documentaire sur le travail de Sebastião Salgado, Le Sel de la Terre (The Salt of the Earth) qui a reçu le prix spécial Un Certain Regard au festival de Cannes 2014.
En 2016, Sebastião Salgado se met au service de la liberté de la presse en offrant à l'association Reporters sans frontières (RSF) une anthologie de ses 100 plus belles photos en noir et blanc. Ainsi, le premier numéro de l'année de l'album de RSF, "100 photos pour la liberté de la presse", contient un portfolio sur l'œuvre de Salgado, avec une préface d'Irina Bokova, la Directrice générale de l'UNESCO.
Encore en 2016, il réalise en noir et blanc une série de portraits de membres de la tribu indigène Ashaninka, dont il tire un calendrier. Il photographie notamment la famille du leader indigène Benki Piyãko.
Salgado est connu pour ses travaux en argentique noir et blanc (notamment avec les pellicules Tri-X et T-Max P3200 de Kodak) en utilisant un appareil moyen format Pentax 645.
Actuellement son processus de travail est un mélange d'argentique et de numérique. Il réalise les prises de vue en numérique avec un appareil Pentax 645D (en). Salgado ne souhaite pas regarder ses photos sur un écran. Les fichiers numériques sont tirés sous forme de planche-contact afin de réaliser le choix des photos à tirer sur papier (editing). Les photos numériques sélectionnées sont ensuite traitées avec le logiciel DXO filmpack qui permet de rajouter du "grain" argentique correspondant aux films Tri-X ou T-Max P3200. Une fois modifiées ces images numériques sont transférées sur un internégatif (pellicule argentique sans grain) qui permet au tireur de réaliser des tirages argentiques sous agrandisseur sur papier baryté argentique.
On peut dire que Salgado a mis au point un processus « hybride » argentique/numérique
économiquement plus viable que le « tout argentique ».


Photo by Sebastião Salgado : Sudan Cattle, 2006

Etude sur la gravité. La parabole balistique est pour la première fois mise en évidence en image.

1878





2 juillet 2011 : Tag Khris bat le record du monde de saut en roller au Sacré-Coeur



Les lois de la gravité n'ont donc pas changé depuis 1864, mais les appareils photo, si.

2017-09-29 Expo Irving Penn au Grand Palais

Picasso par Irving Penn

Ici, on voit une grande photo "making of" du photographe Irving Penn photographiant des mégos de cigarettes dans les rues de New York avec son Hasselblad + objectif Macro + 3 bagues allonges + ring flash. Son matériel est exposé dans une vitrine juste à côté. Une visiteuse en chapeau regarde ce tirage.

In 1972, Irving Penn produced a series of photographs of cigarette butts which had been smoked down to the end then discarded. He placed one, two or three of these on a white background and photographed them using a large-format camera. The prints were made in the platinum-palladium process that provides a rich tonal range, showing clearly the dirt, wrinkles, mud and dust that disfigured them. The elegance of these pictures is similar to that which we find in his pictures for Chanel’s cologne for men, for Clinique’s lipstick or in brightly colored still lifes of flowers. Whether the subject be cigarette butts or high fashion, they find equivalence through the elegance of Penn’s technique.



Discarded cigarets

29 juillet 2017 : La légende National Geographic au Jardin des Plantes.

Le Muséum national d'Histoire naturelle accueille le mythique magazine National Geographic dans sa Galerie de Minéralogie et de Géologie pour une vaste exposition de photographies, à découvrir du 3 mai au 18 septembre 2017.

Plus de 100 photographies seront présentées accompagnées par la projection de 6 vidéos inédites, dans un cadre d'exception.

Cette exposition doit aussi permettre de découvrir ou redécouvrir les valeurs que porte National Geographic, cette volonté de faire avancer la connaissance et de la transmettre depuis plus d’un siècle. Un siècle d’exploit, d’exploration, de science, d’aventures humaines ou animales. Une exposition qui fait alterner de grands moments d’émotion avec de vraies sensations d’immersion

Le 28 novembre 2015 : expo Lucien Clergue au Grand Palais

Exposition Lucien Clergue du 13 novembre 2015 au 10 février 2016 dans les Galeries Nationales du Grand Palais.
Fondateur des Rencontres d’Arles, devenues au fil des ans un lieu de référence international pour la photographie,
premier photographe élu à l’Académie des Beaux-Arts, ami de Picasso, Cocteau ou encore du grand guitariste gitan Manitas de Plata…
Lucien Clergue se révèle dans cette exposition d’une grande richesse.
Lucien Clergue (1934-2014), photographe autodidacte, rencontre Pablo Picasso en 1953 et lui montre son travail.
Ils resteront amis jusqu’à la mort de l’artiste, vingt ans plus tard. En 1968, il fonde avec l’écrivain Michel Tournier
le festival international de photographie des rencontres d’Arles qui s'y tient chaque année au mois de juillet.
Il y invite les photographes les plus célèbres. Il est le premier photographe à être élu membre
de l’Académie des beaux-arts de l’Institut de France en 2006. Il est nommé Président de l’Académie pour l’année 2013.
Exposition organisée par la Réunion des Musées nationaux - Grand Palais.

J'avais rencontré Lucien Clergue des années auparavant, en 1999.

Depuis mes 20 ans, ses livres "La Camargue" et "Née de la vague" m'ont beaucoup impressionné.



Lucien Clergue, né le 14 août 1934 à Arles et mort le 15 novembre 2014 à Nîmes, est un photographe français.
En 1949, il apprend les rudiments de la photographie. En 1953, lors d'une corrida aux arènes d'Arles, il force le destin en mettant ses photos sous le nez de Pablo Picasso.
Celui-ci est subjugué et demande à en voir d'autres. Pendant un an et demi, le jeune Clergue travaille dans le but d'envoyer des photos à Picasso et de nourrir sa curiosité.
C'est durant cette période que parallèlement aux « charognes », il crée la série des « Saltimbanques » ou « La grande récréation ».
Le 4 novembre 1955, pour la première fois, Lucien Clergue se rend à Cannes chez Picasso qui le reçoit à bras ouverts. Leur amitié durera près de trente ans, jusqu'à la mort du Maître en 1973.
Le livre Picasso mon ami (Éditions Plume) retrace les moments importants de leur relation.
Dès 1968, il fonde avec son ami Jean-Maurice Rouquette, conservateur des Musées d'Arles et l'écrivain Michel Tournier les premiers éléments
des Rencontres Internationales de la Photographie qui deviendront les Rencontres d'Arles et se tiennent chaque année à Arles au mois de juillet.
Il invite à Arles les photographes les plus célèbres des États-Unis (Ansel Adams, André Kertesz, Robert Mapplethorpe…), du Japon (Eikoh Hosoe)… Ils donneront les premiers « ateliers de photo » à Arles.
Lucien Clergue a œuvré sans cesse pour la reconnaissance de la photographie comme un art à part entière au même titre que la peinture, la gravure ou la sculpture.
Il y parviendra en la faisant inscrire en tant que tellle au Ministère de la Culture, puis en contribuant à la création de l'École Nationale Supérieure de la Photographie à Arles en 1982....

29 septembre 2016 : Peter Lindbergh chez Taschen.









Peter Lindbergh naît le 23 novembre 1944 à Leszno, en Pologne. Il passe son enfance à Duisbourg. Adolescent, il travaille comme décorateur étalagiste pour les grands magasins Karstadt et Horten à Duisbourg. Comme il vient d’une région de l’Allemagne située près de la frontière avec les Pays-Bas, il passe les vacances d’été en famille sur la côte néerlandaise, près de Noordwijk. Les vastes plages néerlandaises de même que les quartiers industriels de Duisbourg où grandit Lindbergh auront une profonde influence sur son œuvre au fil de ans. Au début des années 1960, il déménage à Lucerne et, quelques mois plus tard, à Berlin, où il s’inscrit à l’Académie des arts de Berlin. Suivant les traces de son idole, Vincent van Gogh, il se rend à Arles en auto-stop. Il se souvient de ces années : « Je préférais m’inspirer de Van Gogh, mon idole, plutôt que de peindre les portraits et les paysages imposés dans les écoles d’art ». Après avoir passé plusieurs mois à Arles, il poursuit son périple – qui durera deux ans – en Espagne et au Maroc.
À son retour en Allemagne, il étudie l’art abstrait à l’école d’art de Krefeld. Avant l’obtention de son diplôme, il est invité à présenter ses œuvres à la prestigieuse galerie d’avant-garde Denise René-Hans Mayer. Après s’être installé à Düsseldorf, en 1971, il se tourne vers la photographie et travaille deux ans comme assistant du photographe allemand Hans Lux, puis il ouvre son propre studio en 1973. Sa réputation grandit en Allemagne, et il se joint alors à l’équipe du magazine Stern, où il côtoie les photographes légendaires que sont Helmut Newton, Guy Bourdin et Hans Feurer.
Peter Lindbergh, l’un des photographes contemporains les plus marquants de notre époque, est connu pour ses inoubliables images à caractère cinématographique.

Considéré comme un pionnier de la photographie, il crée une nouvelle forme de réalisme en redéfinissant les canons de la beauté grâce à des images intemporelles marquées par l’influence de photographes documentaires, de photographes ambulants et de photojournalistes comme Dorothea Lange, Henri Cartier-Bresson et Garry Winogrand.
Son approche humaniste et son idéalisation de la femme le distinguent des autres photographes : en effet, Lindbergh s’intéresse avant tout à l’âme et à la personnalité de ses sujets. Convaincu que l’intérêt d’un sujet réside ailleurs que dans son âge, il bouscule les normes de la photographie de mode à une époque où l’on a l’habitude d’exagérément retoucher les images. En 2014, Lindbergh explique en entrevue que « la responsabilité des photographes, aujourd’hui, doit être de libérer les femmes et, en somme, tout le monde, de la hantise de la jeunesse et de la perfection».
Lindbergh photographie ses sujets dans un état pur, « en toute honnêteté », loin de tous les stéréotypes, puisque l’artiste préfère un visage presque sans maquillage, laissé à nu, de manière à faire ressortir l’authenticité et la beauté naturelle des femmes devant sa lentille. Il propose une nouvelle interprétation de la femme dans l’ère post-années 1980. Comme l’écrit la journaliste britannique Suzy Menkes : « Le refus de la perfection bien lisse est la marque distinctive de Peter Lindbergh : ses images plongent dans l’âme sans fard de ses sujets, peu importe leur familiarité ou leur célébrité. »

En 1988, la série de Lindbergh montrant des mannequins qu’il vient de découvrir, toutes vêtues de chemises blanches, a un immense succès international et lance la carrière de cette nouvelle génération de top-modèles. L’année suivante, il photographie Linda Evangelista, Naomi Campbell, Tatjana Patitz, Cindy Crawford et Christy Turlington pour la couverture de l’édition de janvier 1990 du Vogue britannique, qui passera à l’histoire; c’est la première fois que ces icônes de la mode sont réunies sur une photo. Lindbergh est ainsi à l’origine de ce que l’on appelle l’ère des « supermodels »; en effet, George Michael, s’inspirant de cette fameuse couverture, demande aux mannequins immortalisées par Lindbergh de jouer dans le vidéoclip de sa chanson « Freedom '909 »; à peu près au même moment, le couturier italien Gianni Versace fait défiler les nouvelles supermodèles lors de la présentation de sa collection automne-hiver 1991. Dans une entrevue avec l’historienne de l’art Charlotte Cotton réalisée en 2008, Peter Lindbergh explique : « Il était très important de recourir à la photographie en noir et blanc pour créer le supermodèle. Chaque fois que j’essayais de photographier ces sujets en couleurs, le résultat avait l’air d’une mauvaise publicité de produits cosmétiques, parce que la beauté de ces femmes frôlait la perfection. Avec le noir et blanc, on peut vraiment voir qui elles sont. J’ai estompé l’effet commercial que la couleur donne. Ce qui est frappant avec le noir et blanc, c’est à quel point cette technique aide vraiment à communiquer une impression de réalité. »
On a confié deux éditions du calendrier Pirelli à Lindbergh, soit celles de 1996 et de 2002. Pour cette dernière, où l’on mettait pour la première fois en vedette des actrices et non des mannequins, la séance de photos a eu lieu aux studios Universal. Pour la première fois en cinquante ans d'histoire, le calendrier Pirelli invite Lindbergh à photographier l'édition 2017, devenant ainsi le seul photographe à avoir photographié trois éditions du prestigieux calendrier.

30 novembre 2014 : Expo Reza au Petit Palais

Photojournaliste et insatiable explorateur visuel, REZA témoigne à travers le monde des joies et des souffrances, des conflits et des instants de paix de l’humanité.
Aujourd’hui, l’écrin du Petit Palais révèle au plus grand nombre le regard de REZA posé sur l’Azerbaïdjan. Il raconte en images, dans le péristyle qui entoure le jardin, plusieurs décennies d’un long reportage commencé en 1987.

L’Exposition Azerbaïdjan, l’Élégance du feu est le regard de REZA sur un peuple à la culture ancestrale​ en plein évolution qui se tourne vers la modernité : des scènes de vie, des portraits, des regards, des paysages, des ​panoramas de villes ​inédits offrent la part moins connue de ce pays situé dans le Caucase, entre l’Europe et l’Asie.

Cette exposition est présentée à l’occasion de la publication​ de L'Elégance du feu.

Reza Deghati

'The eyes are the windows of the soul' "I have always considered my camera to be a companion of my thoughts, an extension of my gaze, of my visual intention, my creativity, my solitude, my rebellions, my wonder, my sorrows, and my greatest joys. An extension of myself, if you will. This magical object is a tool that has the power to freeze a moment for eternity. For the last forty years, I have tried to cultivate an attitude that attempts to make my camera a confident of the people I photograph, who themselves are ready to entrust it with a share of their soul as seen through their eyes. It does not matter whether they are kings and queens, or peasants and beggars. Throughout the years, I feel the trust they grant me has increased. I am no longer merely taking a picture – these people encountered in moments of struggle or glory are offering me one. In April, I shared their gazes upon the world through exhibitions, and have pursued editorial projects and workshops on the language of images which has enabled me to reveal to the world the destinies of all those whose paths I have crossed." REZA.

Reza's most famous photo.
Reza Deghati, né le 26 juillet 1952 à Tabriz, est un photojournaliste français d'origine iranienne, exilé en France depuis 1981, après avoir dû quitter son pays natal deux ans après la Révolution islamique, en raison de la publication dans la presse internationale de photographies déplaisant au régime des mollahs. Son nom d'auteur est Reza.
Il a travaillé à l'international pour National Geographic Magazine. Plusieurs films sur le travail de Reza ont été produits par National Geographic Television, notamment Frontline Diaries qui a remporté un Emmy Award en 2002. En 2003, Reza a été directeur de la création du documentaire le plus regardé de National Geographic, Inside Mecca. Dans le cadre de sa série Exceptional Journeys, National Geographic a publié un documentaire sur la carrière de Reza en tant que photojournaliste, avec des reportages sur son travail humanitaire.

Yann Arthus-Bertrand : «On a perdu le combat contre le changement climatique»
Bien avant de créer sa fondation, le célèbre photographe Yann Arthus-Bertrand avait photographié l’Amazonie et porte un regard très pessimiste sur l’avenir de la planète.
Depuis 2005, Yann Arthus-Bertrand est impliqué dans le combat pour l'environnement via sa fondation GoodPlanet. LP/Delphine Goldsztejn

Par Frédéric Mouchon le 23 août 2019 à 16h10
Il est l'un des photographes les plus connus du grand public, grâce à « La Terre vue du ciel », best-seller mondial sorti en 1999. Depuis 2005, Yann Arthus-Bertrand, également réalisateur de documentaires à succès, s'est aussi impliqué dans le combat pour l'environnement via sa fondation GoodPlanet.
Il réagit à la progression des incendies en Amazonie. Près de 2500 nouveaux départs de feu ont été constatés en l'espace de 48 heures sur l'ensemble du territoire brésilien.
Comment avez-vous réagi en voyant les images des incendies en Amazonie ?
YANN ARTHUS-BERTRAND. C'est épouvantable mais je ne suis malheureusement pas surpris. Il faut savoir que chaque année, la déforestation détruit sur la planète des forêts primaires de la taille de la Belgique, tout ça pour produire de l'huile de palme ou du soja destiné à nourrir nos animaux d'élevage et à fabriquer de la viande industrielle. Beaucoup de ces feux sont provoqués par des paysans pauvres à qui on demande de fournir ces matières premières. Mais ces feux en Amazonie ne sont au fond que le reflet de nos vies.
C'est-à-dire ?
C'est trop facile d'accuser le président brésilien Bolsonaro. Et ça ne sert à rien de la part d'Emmanuel Macron de le pointer du doigt et de lui faire la leçon si chez nous, en France, on ne lutte pas contre la viande industrielle. Pour nourrir notre bétail, les coopératives françaises importent du soja produit au Brésil et issu de la déforestation. Donc arrêtons d'accuser les autres, les lobbys, le commerce international, etc. C'est à nous de changer de mode d'alimentation et de voter avec nos chariots de supermarché. Depuis que je suis né, la population mondiale a quadruplé et dans le même temps la consommation de viande a été multipliée par huit. Rien qu'en France, on élève chaque année 25 millions de cochons! Et après on s'étonne d'avoir des algues vertes le long de nos plages.
LIRE AUSSI > Incendies en Amazonie : les trois cartes pour tout comprendre
Vous semblez très pessimiste.
Je crains que l'on ait perdu le combat contre le changement climatique. Tous les jours, on apprend une nouvelle inquiétante sur l'état de la planète : il y a eu les incendies monstres en Sibérie et en Alaska, une fonte de glace majeure en Arctique, l'Amazonie en flammes. Récemment, on a battu le record du nombre d'avions qui volaient en même temps dans le ciel, ce qui est un vrai désastre écologique. Et pourtant, on est incapable de revenir sur notre modèle économique qui n'est basé que sur la croissance à tout prix. Ce système de civilisation détruit notre planète et j'en ai marre que l'on m'interroge tous les jours sur la fin du monde.

Le 3 novembre 2018 : Terra Magnifica au profit de la Fondation GoodPlanet

Culturespaces s’associe à la Fondation GoodPlanet pour présenter TERRA MAGNIFICA, création originale de Yann Arthus-Bertrand pour l’Atelier des Lumières.

l’Atelier des Lumières offre un voyage dans le temps et l’espace avec TERRA MAGNIFICA. Cette nouvelle création a été réalisée à partir de l’incroyable fonds d’images filmées à travers le monde, tirées notamment du film La Terre vue du Ciel, produit en 2004 par Yann Arthus-Bertrand.
« La Terre est Art et le photographe n’en est que le témoin. » Yann Arthus-Bertrand
Depuis le ciel, les continents, les éléments et les constructions humaines offrent un kaléidoscope chamarré de couleurs et de formes géométriques. Le visiteur survole ces paysages qui, vus à travers l’objectif de Yann Arthus-Bertrand, deviennent des compositions artistiques uniques. Les images révèlent les traces de l’Homme sur la Terre visibles dans le paysage. Mais TERRA MAGNIFICA montre surtout l’Homme en tant que formidable bâtisseur. Les monuments représentés, légués par les différentes civilisations, jusqu’aux mégapoles modernes, sont des témoignages de la créativité de l’espèce humaine.

Le 13 décembre 2015 : Le Muséum d'histoire naturelle rend hommage à Robert Doisneau à travers une expo photo présentée dans la Grande Galerie de l'Evolution. Près de 130 magnifiques clichés du mythique photographe reflètent alors tout un pan du travail de reportage de Doisneau, dédié au travail des scientifiques.

ROBERT DOISNEAU, UN PHOTOGRAPHE AU MUSÉUM, L'EXPOSITON À LA GRANDE GALERIE DE L'EVOLUTION
Du 7 octobre 2015 au 19 janvier 2016, le Muséum rend hommage à Robert Doisneau à travers une expo photo présentée dans la Grande Galerie de l'Evolution. Près de 130 magnifiques clichés du mythique photographe reflètent alors tout un pan du travail de reportage de Doisneau, dédié au travail des scientifiques.
Une exposition de Robert Doisneau, c'est toujours un événement. On adore ce photographe parisien, qui aimait tant partir à la rencontre des artistes, des artisans dans leurs ateliers, et qui adorait aussi flâner des heures dans les rues de la capitale à la recherche perpétuelle de détails à immortaliser.

Alors quand on a su qu'une exposition inédite se préparait au Muséum national, on était surexcités. Plus de 120 clichés inédits, issus de deux photo-reportages de Doisneau datant de 1942 et de 1990, cela promet de belles émotions. D'autant que le photographe a toujours eu un don pour dégager une émotion intemporelle de ses cliché.

Dans les salles supérieures de la Grande Galerie de l'Evolution, face aux bêtes naturalisées des collections du Muséum national d'Histoire naturelle, cette exposition est une belle occasion de découvrir le quotidien des scientifiques du muséum, immortalisé à travers l'appareil du plus parisien des photographes du XXe siècle.

Le couple a posé pour la photo de Robert Doisneau prise en 1950, à Paris.

C’est l’image du romantisme à Paris par excellence. Un jeune couple qui s’embrasse au milieu de la foule, dans le centre de la capitale française, non loin de l’hôtel de ville. La photo mythique a été prise en 1950 par Robert Doisneau mais elle ne connaît un véritable succès que dans les années 1980, lorsqu'elle est reproduite sur des cartes postales et des posters, comme le raconte PetaPixel.
L’image était en fait une commande du magazine américain Life. Derrière ce cliché devenu culte, il y a pourtant une mise en scène. En effet, le photographe français ne voulait pas capturer spontanément les gens dans la rue lorsqu’il travaillait sur commande pour des raisons juridiques.
Les deux amoureux étaient donc des étudiants en théâtre au cours Simon, qui s’embrassaient sur une terrasse de café. Doisneau les a vus et leur a demandé de recréer le baiser au milieu de la foule. Le photographe a lui-même expliqué qu’il s’agissait d’une mise en scène dans les années 1980.

janvier 2014 : Exposition GENESIS de SEBASTIÃO SALGADO à la MAISON EUROPÉENNE DE LA PHOTOGRAPHIE
Deux heures de queue, mais cela en valait vraiment la peine.







Genesis est aussi un travail sur le rapport de l’homme à la nature, des grands déserts aux vastes océans. Après La Main de l’homme (1993) et Exodes (2000), formes de bilan humain des changements économiques et sociaux intervenus à l’échelle planétaire, Genesis est le troisième volet de l’exploration à long terme de Salgado sur les enjeux mondiaux et la troisième exposition du photographe présentée au Musée de l’Elysée après Autres Amériques / Sahel, l’homme en détresse en 1987 et La Main de l’homme en 1994.

L’exposition, composée de près de 240 photographies, est divisée en cinq sections géographiques, formes de miroirs du fonctionnement de la nature : le Sud de la planète, les sanctuaires naturels, l’Afrique, le Nord de la planète et l’Amazonie. Ces images parcourent également le monde et sont présentées en parallèle au Musée de l’Elysée à Paris et à São Paulo, après avoir fait escale à Londres, Toronto, Rome et Rio de Janeiro.

Genesis est une quête photographique à l’échelle de la planète, dans laquelle le photographe brésilien Sebastião Salgado redécouvre des lieux et des peuples qui ont échappé, jusqu’ici, à l’empreinte des sociétés modernes. Depuis 2004, il a entrepris plus de trente voyages, jusqu’aux confins du monde. Il parcourt la planète pour construire un projet photographique à long terme sur la question de l’environnement, photographiant toujours en noir et blanc. Il a navigué sur des océans, gravi des montagnes, traversé des déserts, observé des animaux et approché des peuples indigènes, dans l’idée de faire connaître leurs environnements et leurs cultures. Voyageant dans les coins les plus reculés, dans des conditions souvent difficiles, Salgado restitue la beauté de faces inconnues du monde. Il montre aussi la nécessité de préserver la planète et sa beauté, qui sont aujourd’hui en péril.

« Dans Genesis, j’ai suivi le rêve romantique de vouloir retrouver – et partager – un monde primitif trop souvent invisible et hors d’atteinte. (…) Je voulais simplement montrer la nature dans sa splendeur partout où je pouvais la trouver. Je l’ai découverte dans des espaces infinis d’une diversité biologique immense qui, il faut le savoir, recouvrent pratiquement la moitié de la surface de la Terre, dans de vastes déserts en grande partie inexplorés, dans d’immenses forêts tropicales ou tempérées, et dans des chaînes de montagnes d’une beauté impressionnante. Découvrir ce monde encore intact a été l’une des expériences les plus enrichissantes de ma vie. »

Les Nenetes, Peninsule de Yamal, Siberie, Russie 2011 © Sebastião SALGADO / Amazonas images

Photos by Salgado



Sebastião Salgado, Vue du confluent du Colorado et du Petit Colorado prise depuis le territoire Navajo. Le parc national du Grand Canyon débute juste après. Arizona, Etats-Unis, 2010 © Sebastião Salgado / Amazonas Images

17 Janvier 2014 : Remise du prix photographique international Lucas Dolega à Majid Saeedi à l'Hôtel de Ville de Paris,
en partenariat avec Nikon, Reporter Sans Frontière, Polka Magazine, l'Atelier Label Image,
l'Union des photographes Professionnels, FreeLens et Zanzibar,
en présence de Pierre Schapira, adjoint au maire de Paris, Reza Deghati photographe iranien internationalement reconnu.




Reza Deghati

'The eyes are the windows of the soul' "I have always considered my camera to be a companion of my thoughts, an extension of my gaze, of my visual intention, my creativity, my solitude, my rebellions, my wonder, my sorrows, and my greatest joys. An extension of myself, if you will. This magical object is a tool that has the power to freeze a moment for eternity. For the last forty years, I have tried to cultivate an attitude that attempts to make my camera a confident of the people I photograph, who themselves are ready to entrust it with a share of their soul as seen through their eyes. It does not matter whether they are kings and queens, or peasants and beggars. Throughout the years, I feel the trust they grant me has increased. I am no longer merely taking a picture – these people encountered in moments of struggle or glory are offering me one. In April, I shared their gazes upon the world through exhibitions, and have pursued editorial projects and workshops on the language of images which has enabled me to reveal to the world the destinies of all those whose paths I have crossed." REZA.


Reza's most famous photo.


Reza Deghati, né le 26 juillet 1952 à Tabriz, est un photojournaliste français d'origine iranienne, exilé en France depuis 1981, après avoir dû quitter son pays natal deux ans après la Révolution islamique, en raison de la publication dans la presse internationale de photographies déplaisant au régime des mollahs. Son nom d'auteur est Reza.
Il a travaillé à l'international pour National Geographic Magazine. Plusieurs films sur le travail de Reza ont été produits par National Geographic Television, notamment Frontline Diaries qui a remporté un Emmy Award en 2002. En 2003, Reza a été directeur de la création du documentaire le plus regardé de National Geographic, Inside Mecca. Dans le cadre de sa série Exceptional Journeys, National Geographic a publié un documentaire sur la carrière de Reza en tant que photojournaliste, avec des reportages sur son travail humanitaire.

Majid Saeedi



L'équipe Nikon Pro Paris



A droite, Sébastien de chez Nikon.

In association with a special edition of TIME Magazine, artist JR (JR Artist)
seeks to facilitate an unbiased and honest conversation about gun control
from all sides of the debate through a traveling exhibition,
the last stop of which will be at the Dallas Museum of Art.
A mural will be presented that combines his portraits of hundreds of individuals,
giving a face to the full and complex spectrum of views on guns in America.

ABOUT THE PROJECT
It’s a truly American story: 325 million people, more than 265 million guns,
35,000 deaths a year, and one 227-year-old constitutional right.
To move beyond the familiar, TIME partnered with JR, an artist
and photographer known for documenting social issues.
In three US cities profoundly affected by guns—Dallas, St. Louis, and Washington,
DC—we invited people to share their views, describe their experiences, and search for common ground.
We met hunters and activists, teachers and police officers, parents and children.
JR photographed 245 people to create this mural for TIME’s November 5, 2018, cover.

THE LIVE MURAL
JR and his team have created a live mural of each person featured in the project.

Individuals were filmed in slow motion interacting with someone else in the mural,
creating a living artwork that vividly depicts the issue.
Each side of the issue is represented by individuals and groups
sharing their stories and visual interactions.

On a broader level, the live mural will be projected all around the country
and will be made available to the public to use as a tool
for gathering communities and creating meaningful dialogue.

Learn more about the event here: time.com/Guns-in-America

EXPOSITION PHOTO SEBASTIÃO SALGADO AU MUSEE DE L'HOMME à Paris.
CETTE EXPOSITION PRÉSENTE UNE TRENTAINE D'IMAGES EN GRANDS FORMATS DE SEBASTIÃO SALGADO ET S’INTÈGRE DANS LA SAISON "EN DROITS !" QUI COMMÉMORE LES 70 ANS DE LA DÉCLARATION UNIVERSELLE DES DROITS DE L’HOMME, SIGNÉE AU PALAIS DE CHAILLOT LE 10 DÉCEMBRE 1948.

Pour cette exposition, les photographies de Sebastião Salgado illustrent certains des articles de la déclaration, tels que le droit à l’asile, à la liberté de pensée, de conscience et de religion, le droit au travail, et d’autres encore. Des articles qui font particulièrement échos aux valeurs humanistes portées par le Musée depuis sa création en 1937 et que le photographe illustre en portant un regard rétrospectif sur son œuvre.
Découvrez ou redécouvrez des photographies prises au cours tout au long de ses 40 ans de carrière dans une vingtaine de pays. 30 photographies réalisées dans 20 pays : Afghanistan, Angola, Algérie, Bosnie, Brésil, Éthiopie, France, Hong Kong, Inde, Indonésie, Italie, Kenya, Mexique, Mozambique, Philippines, Rwanda, Somalie, Soudan et Tanzanie.
Des images comme autant de témoignages émouvants qui incarnent la nécessité de défendre au quotidien les droits énoncés dans la Déclaration universelle des droits de l’Homme, quelle que soit la région du monde concernée, soulignant la portée universelle de ce texte.


















December 09, 2018: Expo "DECLARATIONS".
PHOTO EXHIBITION SEBASTIÃO SALGADO AT THE MUSEUM OF MAN in Paris.
THIS EXHIBITION PRESENTS A THIRTY PICTURES IN LARGE FORMATS OF SEBASTIÃO SALGADO AND INTEGRATES IN THE SEASON "IN RIGHTS!" WHO COMMEMORATES THE 70 YEARS OF THE UNIVERSAL DECLARATION OF HUMAN RIGHTS, SIGNED AT THE PALAIS DE CHAILLOT ON DECEMBER 10, 1948.

2019-10 Il était une fois Sergio Leone à la cinématèque de Paris


En 1968





Il était une fois dans l'Ouest (titre original : C'era una volta il West) est un film de Sergio Leone réalisé en 1968 et sorti en salle en France le 27 août 1969. Ce film est considéré comme un chef-d'œuvre. Sa musique, créée par Ennio Morricone, reste aujourd'hui célèbre.
Il était une fois dans l'Ouest est un film dont l'action se passe lors de la conquête de l'Ouest américain. Il évoque l'âpre rivalité des intérêts pour l’appropriation des terres que traverse la construction du chemin de fer et met en scène différents personnages représentatifs des westerns classiques pour mieux les détourner.
Sergio Leone en fait une œuvre imposante et personnelle, ce qui serait la raison de son échec commercial aux États-Unis (où le film fut amputé de plusieurs scènes à sa sortie), contrairement à l'Europe qui elle, lui fait un triomphe. Certains spécialistes du cinéma ont également avancé que ce rejet du public américain était dû au refus de voir Henry Fonda dans un rôle de tueur d'enfant. Il n'en reste pas moins que le cinéma américain se voit concurrencer par le cinéma européen sur un genre cinématographique qui lui était historiquement réservé : le Western et qui, de surcroît, peut être tourné hors de son territoire historique.
Claudia Cardinale hérite du rôle d'une jeune veuve au grand cœur, seul personnage féminin du film, Jason Robards celui de l'aventurier sans scrupule qui trouvera la rédemption. Henry Fonda campe un tueur sans scrupule embauché par le patron du chemin de fer (Gabriele Ferzetti) pour éliminer tous les obstacles susceptibles de venir contre-carrer sa construction et Charles Bronson interprète un vengeur silencieux.
Il était une fois dans l'Ouest est souvent considéré comme l'un des plus grands films du cinéma mondial et un des plus influents.
En 2009, le film est sélectionné par Le National Film Registry pour être conservé à la Bibliothèque du Congrès des États-Unis pour son « importance culturelle, historique ou esthétique ».
























































Sergio Leone montre à Claudia Cardinale comment tenir le fusil.

















Deux bandes rivales, les Baxter, trafiquants d'armes, et les Rojo, qui font de la contrebande d'alcool, se disputent la suprématie et la domination de la ville de San Miguel, au sud de la frontière américano-mexicaine. Un étranger, vêtu d'un poncho, arrive à dos de mulet dans cette petite ville et s'immisce entre les deux bandes. Proposant d'abord ses services aux Rojo, l'étranger va très vite tirer profit des deux camps à la fois, à la grande joie du fabricant de cercueils Piripero.





Il était une fois en Amérique (Once Upon a Time in America) est le dernier film réalisé par Sergio Leone sorti en 1984. Il s'agit d'un film américano-italien adapté du roman The Hoods de Harry Grey sorti en 1952. Les acteurs principaux sont Robert De Niro, James Woods et Elizabeth McGovern.
Le film raconte, de la Prohibition aux années soixante, quarante-cinq ans des vicissitudes dramatiques du mafieux David Aaronson dit « Noodles » et de ses amis, du ghetto juif de leur enfance vers les plus hautes sphères du crime organisé de New York.
Il était une fois en Amérique (envisagé au départ sous le titre Il était une fois l'Amérique) n'est autre que le troisième volet de la grande saga portant sur plusieurs périodes-clés de l'histoire américaine. Le premier opus, Il était une fois dans l'Ouest, se situe à l'époque de la conquête de l'Ouest. Le second, Il était une fois la révolution, se déroule en pleine révolution mexicaine, et enfin Il était une fois en Amérique, revient sur la période de la prohibition et l'avènement du gangstérisme. Le film explore les thèmes de l'amitié d'enfance, l'amour, la luxure, l'avarice, la trahison et les relations brisées.
Il s'agit de l'œuvre testamentaire de Sergio Leone, qui meurt cinq ans après la sortie de ce film. L'année de sa mort, il se consacrait à un projet portant sur le siège de Léningrad.



Dans la fente, Noodles se replonge dans son adolescence où il espionne la belle Deborah, la sœur de Fat Moe qui veut devenir danseuse. Ce sera le grand amour de sa vie. Après avoir rencontré le malin Maximilian "Max" Bercovicz, qui vient de déménager à Brooklyn, Noodles décide avec lui et leurs amis Patsy, Cockeye et Dominic de créer leur propre gang et pour lequel ils "ne veulent pas de maîtres".

Le 20 juillet 1969, à 20h17 (UTC, temps universel), le module lunaire Eagle se posait sur la Lune.



J'ai assisté aux premiers pas de Niel Amstrong en pleine nuit sur le petit écran de la TV familiale. J'avais exactement 16 ans. L'avenir semblait radieux.
50 ans plus tard l'avenir semble sombre.


I attended Niel Armstrong's first steps on the moon in the middle of the night on the small screen of the family TV. I was exactly 16 years old. The future seemed bright.
50 years later the future looks bleak.

Le 20 juillet 2019, le jour anniversaire des premiers pas de l’homme sur la Lune, la soirée MOOON propose au public rassemblé dans la Nef un programme mêlant des conversations avec Claudie Haigneré et Thomas Pesquet, les performances artistiques et acrobatiques de Chloé Moglia. Une Lune géante de 16 mètres de diamètre installée sous la coupole de la Nef sert de décor à la soirée.

Thomas Pesquet, né le 27 février 1978 à Rouen, est un spationaute français. Après une formation d'ingénieur aéronautique, Thomas Pesquet a occupé différents postes dans l'industrie aérospatiale et au Centre National d'Etudes Spatiales (CNES) avant de devenir, en 2005, pilote de ligne. En 2009, il fait partie des six candidats retenus pour former le troisième groupe d'astronautes européens sélectionnés par l'Agence spatiale européenne (ESA). Thomas Pesquet est le dixième Français à partir dans l'espace en décollant le 17 novembre 2016 à bord de Soyouz MS-03 dont l’équipage occupe la Station spatiale internationale de novembre 2016 à juin 2017. Durant cette mission, Thomas Pesquet a mené une centaine d'expériences dont la moitié développée par l'Agence spatiale européenne ou le CNES, l'autre moitié par la NASA. Il effectue deux sorties extravéhiculaires de six heures pour des missions de maintenance de la Station spatiale internationale.



Claudie André-Deshays, épouse Haigneré, née le 13 mai 1957 au Creusot, est une scientifique, spationaute et femme politique française, présidente d'Universcience à Paris entre 2010 et 2015, actuellement ambassadrice et conseillère auprès du directeur général de l'Agence spatiale européenne.
Missions spatiales : Soyouz TM-32, Soyouz TM-33, Soyouz TM-23, Soyouz TM-24


Chloé Moglia

Le 03 octobre 2020 : Sarah Moon à La Chambre Claire

Sarah Moon, née Marielle Sarah Warin le 17 novembre 1941 à Vernon (Eure) est un mannequin et photographe français.

Marielle Warin naît dans une famille juive contrainte à quitter la France occupée.
Elle rejoint l'Angleterre.
Sarah Moon exerce alors la profession de mannequin de 1960 à 1966
sous le nom de Marielle Hadengue, puis se tourne vers la photographie à partir de 1970,
après avoir publié ses premiers clichés dans le magazine l'Express en 1967.
Elle devient célèbre pour sa campagne de publicité pour Cacharel.
Dans son travail pour la mode, elle a su montrer les femmes sous un angle particulier
du fait de sa relation avec les modèles dont elle a partagé l’univers pendant sa jeunesse.
Les regards et les attitudes qu’elle a su capturer laissent apparaître dans ses clichés
une certaine complicité qui l’a distinguée des hommes dans la photographie de mode.
Après quinze ans de travail dans la mode, répondant aux commandes de nombreuses marques
telles que le magazine Vogue, les Maisons de couture telles que Chanel ou Dior,
la carrière de Sarah Moon prend un tournant lorsque l’artiste décide de se consacrer
davantage à une photographie plus personnelle encore, plus introspective et cette fois,
purement artistique. Elle « sort » alors des studios de ses mises en scènes pour la mode,
et fait de Paris son terrain de jeux, par goût dit-elle, et par « commodité »6,
même si la ville n’est jamais réellement le sujet de ses photographies mais bien plus un décor méconnaissable.
Ce sera d’ailleurs à cette époque qu’elle adoptera le Polaroïd noir et blanc avec négatif comme support de son expression.
Elle est exposée aux Rencontres d'Arles en 1980, 1981, 1994, 2005 et 2006.
En 2013 a lieu l'exposition « Alchimies », présentant ses photographies
sur le thème de la nature, au Muséum national d'histoire naturelle (Paris).








Photos par Sarah Moon

Visite de l'agence Roger-Viollet le 20 jan 2021
Roger-Viollet est une agence de photographie fondée en 1938 par Hélène Roger-Viollet, située 6 rue de Seine à Paris. Ses archives appartiennent à la mairie de Paris. L’agence rassemble aujourd’hui près de huit millions de clichés.

Les amateurs de photos et les passionnés de Paris connaissent bien ce nom : Roger-Viollet. Cette agence de photo du siècle dernier, du nom de sa fondatrice Hélène Roger-Viollet, est une référence internationale dans le secteur de l’archive photographique. Ses photographes ont pris plus de 6 millions de clichés sur de nombreux thèmes et l'agence a renforcé son fonds photographique grâce à des partenariats avec les plus grandes agences d’archives mondiales, des fonds de photographes indépendants français et étrangers, et celui du quotidien France-Soir !

Négociations pour des publicitaires, partenariats avec la presse, et maintenant, vente de reproduction au grand public. Oui, oui, car si le fonds photographique appartient à la Ville de Paris, une entreprise, Photononstop (fondée par Gilles Taquet, président du Syndicat national des agences photographiques) a repris l'exploitation commerciale du fonds en 2019.

Grands évènements, personnalités, politique, société, mode, culture, beaux-arts ou vues géographiques, Paris… Roger-Viollet, c'est 150 ans de photographies...

Ringo Star et Sylvie Vartan









Photo de Maurice-Louis Branger.
Bal du 14 juillet devant le Panthéon. Paris Vème arr. 1912



Le 31 jan 2021 : Expo "Noir et Blanc" venue du Grand Palais, dans le métro. L'exposition « Noir & Blanc » s'invite à la station Luxembourg



Alors que l’exposition « Noir & Blanc, une esthétique de la photographie » au Grand Palais est reportée à une date ultérieure, les voyageurs dans l'obligation de se déplacer sur le réseau bénéficient en avant-première d’une série de photographies inédites issues de la collection de la Bibliothèque Nationale de France.



A gauche : Séeberger Femme habillée par Jenny, Biarritz 1929, au fond Denis Roche : 24 décembre 1984, Les Sables-d’Olonnes, Atlantic Hôtel, chambre 301 1981, Courtesy Galerie Le Réverbère, Lyon.



En premier-plan à droite : Ansel Adams, Self-portrait, Monument Valley, Utah, 1958.
Plus au fond à gauche: Hippolyte Blancard, Monsieur Blancard et Mademoiselle L.Vulliemin, en blanc à Arromanches, 1887, coll. BnF, tout au fond René Burri Copocabana Rio de Janeiro, Brazil 1958.




Merci à Laurent Guillaume pour cette photo. Avec Frédérique Gorsky et Christian Fournier.

Hippolyte Blancard (né le 8 août 1843 et mort le 26 août 1924) est un photographe français, plus particulièrement connu pour les photographies, tirées selon le procédé du platinotype, qu'il prit durant le Siège de Paris (1870) et la Commune de Paris (1871). Il était pharmacien, se passionnait pour la photographie et en fit un grand nombre (environ cinq cents) de Paris et sa banlieue.
Hippolyte Blancard, Monsieur Blancard et Mademoiselle L.Vulliemin, en blanc à Arromanches, 1887, coll. BnF.


A droite : Louis Stettner fillette jouant dans des ronds de lumière Penn Station New-York 1952, au fond : Edward Steichen Gloria Swanson portrait pour Vanity Fair 1924.


A gauche Burk Uzzle New York 1971, au centre Raph Gibson Chrisitine 1974, à droite Willy Ronis Venise 1959.



A gauche : Flor Garduno Corbeille de lumière 1989, au centre Jean Reutlinger autoportrait de Jean avec Germaine Schroeder, vers 1913, à droite : Romualda Rakauskas Portrait 1975.



Charles Hartbutt, A bord du Mistral, France, 1975. coll. BnF. Courtesy Joan Liftin.



Willy Ronis, Vincent au bol, [jeune garçon buvant son bol de lait], 1946, © BnF - Département des Estampes et de la Photographie © Rmn - Gestion droit d'auteur Willy Ronis.



A gauche : Alexandre Rochtchenko jeune fille au Leika 1934, au centre Pier giordio Branzi Bar sur la plage Adriatique 1957, à droite : Flor Garduno Corbeille de lumière 1989.




2021-02-11 JR à la Galleria Continua








Deux œuvres du célèbre street artiste JR